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0 10 astuces pour améliorer votre technique au piano ...
Nous avons tous assisté à des concerts où un artiste nous éblouit avec une technique qu’il nous semble humainement impossible d’égaler. Un phénomène qui a marqué les performances musicales à travers l’histoire est une anecdote datant de 1783, Johann Matthias Gesner décrit l’habileté de Bach comme provoquant "un effet que peu d’Orphée et moins de vingt Arions peuvent prétendre égaler. "Si la technique de ces deux grands compositeurs peut sembler totalement hors de portée, il est toutefois possible d’améliorer son propre jeu au piano et de s'en rapprocher un peu plus !La technique est-elle indispensable pour jouer du piano ? Cette question est fréquente, en particulier chez les débutant en piano ou bien parmi ceux qui hésitent encore à se lancer. De même que pour le solfège, cette inquiétude est récurrente dans la pratique de presque tous les instruments de musique.Les musiciens du dix-huitième siècle nous ont appris que la musique doit avoir « quelque chose à dire » et que la technique ou « bonne exécution », est le meilleur moyen pour y arriver. Bien que la fortepiano (le piano du dix-huitième siècle) ait un toucher plus léger, plus rapide et plus sensible, c’est au piano moderne qu’est attribuée l’approche technique de la composition. Avec quelques astuces, vos chances de devenir un véritable virtuose seront accrues ! 1. Le maintienL’opinion générale concernant le corps au repos est intemporelle : les mains doivent reposer tranquillement vers le milieu du clavier, à une distance appropriée des touches, et un banc réglé à une hauteur confortable pour faciliter les mouvements. Les descriptions de Mozart et Beethoven encouragent cette posture. Quant à Türk, il nous a mis inlassablement en garde contre les expressions faciales exagérées, comme les grimaces ou les grognements. 2. La gestuelle La plupart des concepts musicaux se développent au travers de petits mouvements (la plupart du temps délimités par des groupes de 2 à 4 notes liées ensemble) qui se combinent en différentes phrases musicales, des sections, jusqu’à former le morceau au grand complet. Et les gestes doivent être assortis à la musique.3. Du cou jusqu’au bout des doigtsL’avant-bras doit reposer naturellement, juste dans le prolongement du bras, et de même pour la main. Le bras supporte la main, et la main les doigts. L’avant-bras déplace la main sur les côtés. Le bras entier inclus l’épaule et est utilisé pour avancer ou reculer la main afin d’atteindre les touches supérieures, et se déplacer de façon plus large sur le clavier.4. La souplesse du poignetIl n’y a pas de bonne gestuelle sans poignet souple. Si l’on s’en tient au conseil de Beethoven, il est possible de développer la sensation « d’impulsion musicale » lorsque l’on joue des ensembles de deux notes : « l’idée est de retirer sa main tout doucement. Pour y arriver, il faut que [ la main ] soit toujours fermement placée sur la première note, puis qu’elle soit soulevée presque verticalement [ par le poignet ] lorsque la seconde note est frappée. »5. La position de la main sur le clavierLa meilleure solution est d’avoir la main précise. Et pour cela, il faudra que le bras soit le plus détendu possible, pour que la main le soit aussi, et que, par extension vos doigts soient plus assurés sur le clavier. 6. Les doigtsCe sont les doigts qui font la plus grosse partie du travail, naturellement arqués et détendus. On jouera de la même façon un ré majeur en pentacorde en se plaçant sur la partie la plus éloignée des touches noires : les doigts constamment détendus, alertes, reposant légèrement sur les touches excepté s’ils doivent s’étendre pour jouer sur une plus grande intervalle.7. Le doigtéPour la plupart des instruments, un mauvais doigté équivaut à une fausse note. Malheureusement, pour les pianistes, il est tout à fait possible de jouer juste en passant complètement à côté du message de l’oeuvre. Le doigté est explicitement lié à la musicalité et inséparable de l’interprétation. Il occupe une fonction musicale aussi importante, voire parfois plus, que l’aspect technique. Le meilleur effet musical surpasse le plus simple choix technique. Et le meilleur moyen d’y arriver, c’est de développer un meilleur doigté, mais surtout, de faire en sorte qu’il soit adapté au morceau que vous jouez. Par exemple, appliquer un toucher legato à un morceau qui comporte beaucoup de ruptures et des mouvements articulés par différentes liaisons ne sera pas du meilleur effet. 8. La cohérenceJouer de façon cohérente vous assurera d’obtenir les meilleurs résultats. Par exemple, si un mouvement est répété à un autre endroit du clavier et que le doigté reste le même, alors il s’agira de reproduire le même type de sonorité. Mais si la dynamique change, il s’agira de savoir mettre l’accent sur les bonnes notes.9. La fonction structurelleLa base, c’est la ligne de basse (ou la main gauche). C’est elle qui détermine le tempo et l’énergie rythmique, donne le timing et clarifie le rythme harmonique. Écoutez le morceau et recommencez à jouer en vous concentrant sur la ligne de basse. Vous éviterez ainsi d’être débordé par les difficultés techniques.10. La volontéAvec la volonté de développer et d’incorporer des concepts universels issus du dix-huitième siècle vous obtiendrez un style plus facile à mettre en musique, riche en nouvelles facettes et composé d’une belle énergie sonore. Les faiblesses seront révélées mais aussi magnifiées car elles ne seront plus dissimulées par une longue ligne en legato ou des cordes frappées de façon trop pesante. Toutefois, travailler sur ces petits détails vous donnera une belle opportunité d’improviser et votre technique n’en deviendra que meilleure ! Dans le même thème : Comment jouer du piano en transmettant de l'émotion ? / Les termes importants à connaître pour nuancer son jeu au piano
0 Nos conseils pour les débutants #3 : L’état d’esprit ...
Ça y est : vous avez trouvé l’instrument qu’il vous faut et vous avez décidé de vous lancer sur un rythme d’une heure de cours par semaine. Vous êtes prêt à démarrer !Cependant, si tous les éléments pratiques semblent réunis pour garantir le succès de votre jeune carrière de musicien, il nous reste un point à aborder : votre état d’esprit.La musique, précisons-le, doit rester un plaisir, et si le fait d’apprendre un instrument va vous demander des efforts et de la constance, autant le faire dans un cadre ludique et agréable.Nos professeurs le savent bien, la pression n’apporte rien dans de positif dans l’enseignement de la musique. Il est vain également de vouloir se fixer des objectifs trop élevés et d’être trop exigeant avec soi-même. Le professeur est là pour vous encourager, et garder votre motivation intacte. Ce n’est pas non plus un clown qui est simplement là pour vous divertir ou une maman pour vous rassurer, il peut savoir être ferme quand il le faut mais dans une démarche toujours positive, avec l’intention de vous faire progresser, et dans la bonne humeur.C’est justement cet enthousiasme et cette affinité avec le professeur qui vous donnera envie de travailler votre instrument, en y prenant plaisir, et d’observer naturellement les progrès arriver.Maintenant c'est bon, vous avez toutes les cartes en main : à vous de jouer !
0 15 violons parmi les plus précieux du monde ...
Aujourd’hui, presque tous les violons les plus précieux du monde sont l’œuvre de deux luthiers d’exception : Antonio Stradivari, à la renommée mondiale et le plus discret, mais non moins talentueux, Bartolomeo Giuseppe Antonio Guarneri del Gesù. Contemporains et rivaux, les deux hommes sont considérés comme les meilleurs luthiers du monde?! Ce n’est pas donc pas une grande surprise de voir leurs chefs-d’œuvre, datant de plus de 300 ans, se disputer à coup de plusieurs millions d’euros… 9 modèles d’Antonio StradivariAu fil des siècles, les Stradivarius restent, encore et toujours, symbole d’excellence. Créées par l’artiste entre 1697 et 1729, ses plus belles œuvres figurent au tableau des violons les plus précieux du monde, même si les puristes distinguent l’âge d’or de l’âge de la maturité pour certaines de ses créations…1697. Le «?Molitor?»Conçu en 1697, il appartient en tout premier lieu à Juliette Récamier (femme de lettres qui, entre le Directoire et la monarchie de Juillet, accueillait les personnages en vue de Paris), puis Molitor en 1804 (musicien) jusqu’à la Première Guerre mondiale. Depuis, il en gardera le nom, mais ne cessera de changer de mains. Depuis sa mise en enchères en 2010, le précieux objet est à Anne Akiko Meyers, remporté pour la somme de 3,6 millions de dollars.1699. Le «?Lady Tennant-Lafont?»L’histoire du Lady Tennant-Lafont débute en 1699 : le violoniste Charles Philippe Lafont en est le premier propriétaire, avant de le céder à un homme d’affaires écossais, Sir Charles Tennant en 1900. Ce dernier en fera cadeau à son épouse, violoniste amateur. En 2015, la Stradivari Society of Chicago l’achète pour 1,5 million d’euros et le prête à différents artistes.1705. Le «?Baron von der Leyen?»Ce célèbre violon doit son nom au Baron Friedrich Henrich von Friedrich von der Leyen, un marchand de textile allemand, qui en possédait déjà deux autres modèles. Là encore, il change de propriétaires, pour aboutir entre les mains d’un acheteur anonyme, en 2012, pour la somme de près de 2 millions d’euros.1709. Le «?Hammer?»Aujourd’hui, ce violon d’exception doit son nom au collectionneur suédois Christian Hammer dont il fut l’heureux propriétaire. Longtemps prêté à la violoniste japonaise Kyoko Takezawa, il a été vendu en 2006 lors d’une vente aux enchères chez Christies à New York pour la somme de 3,54 millions de dollars.1716. Le «?Messie?»Resté dans l’atelier jusqu’à la mort d’Antonio Stradivari, il est en parfait état de conservation. Détenu et exposé au musée Ashmolean d’Oxford, en Angleterre, il n’a pratiquement pas été utilisé tout au long de sa vie. Estimée à plus de 20 millions de dollars, sa valeur s’explique par son état et sa construction pendant l’âge d’or du luthier.1719. Le «?Macdonald?»Donnant son nom au baron MacDonald qui l’acheta en 1820, ce violon a été estimé au prix de 45 millions de dollars, dans le cadre d’une vente aux enchères prévue le 26 juin 2014 chez Sotheby’s à Paris. S’il est bien l’unique représentant de l’âge d’or d’Antonio Stradivari, qu’il est particulièrement bien conservé, il n’a pas trouvé acquéreur à cette occasion… 1720. Le «?Red Violin?»Pour une fois, le nom du violon n’est pas le reflet d’un propriétaire passé, mais celui de la teinte unique de l’instrument (rouge vif). Après Joseph Joachim, il disparaît des radars pendant près de 200 ans, avant de renaître entre les doigts de Lili van Mendelsshon dans les années 30. En 1990, la famille Pitcairn l’achète 902?000 livres sterling (un record, à l’époque) et le confie à Élisabeth, qui se produit toujours avec ce magnifique instrument.1721. Le «?Lady Blunt?»Ce célèbre violon doit son nom à une de ses propriétaires : la petite fille du poète britannique Lord Byron, Lady Anne Blunt. Depuis, l’instrument est passé de collectionneur en collectionneur : c’est qui explique qu’il soit en excellent état, puisqu’il est l’un des rares à posséder encore son manche d’origine. En 2008, la vente du Stradivarius le mieux préservé s’est élevée à la somme de 15,9 millions de dollars.1729. Le «?Solomon ex-Lambert?»Conçu pendant sa période de maturité, le violon doit son surnom à deux de ses propriétaires : la violoniste britannique Dorothy Mary Murray Lambert, célèbre dans les années 20 et 30, ainsi qu’un entrepreneur américain Seymour Solomon. En 2007, l’instrument s’est acheté plus de 2 millions d’euros, même s’il ne figure pas parmi les modèles créés pendant l’âge d’or d’Antonio Stradivari. 6 modèles de Guarneri del GesùGrand rival d’Antonio Stradivari, Bartolomeo Giuseppe Antonio Guarneri a vécu toute sa vie à Crémone, entre 1698 et 1744. Plus connu sous le diminutif, del Gesù, il a produit des violons de qualité équivalente aux Stradivarius, tout en leur conférant un style propre, quelque peu éloigné de ceux de la famille Guarneri : ses œuvres sont identifiables par le monogramme I.H.S qu’il a utilisé à partir de 1731.1725. Le «?Folinari?»Le Folinari est un instrument conçu à l’aube de la carrière du célèbre luthier. Cette rareté a visiblement justifié le prix de 1,8 million d’euros, déboursé par un acheteur anonyme en 2012. Sinon, l’histoire de ce violon reste un secret entre sa conception, en 1725 et sa découverte dans les années 90 en Italie.1735. Le «?Mary Portman?»Fabriqué en 1735, le violon tient son nom d’une aristocrate anglaise qui en fut la propriétaire tout au long du XXe siècle, Mary Isabel Portman. Aujourd’hui, l’instrument de Guarneri Del Gesù est estimé à 10 millions de dollars.1741. Le «?Vieuxtemps?»Surnommé «?Vieuxtemps?», ce violon est également marqué par un ancien propriétaire, le violoniste et compositeur Henry Vieuxtemps. Longtemps détenu par la maison J & A Beare, il a été acheté en janvier 2013 : si le montant n’a pas été révélé officiellement, les vendeurs ont évoqué une somme supérieure à 15,9 millions de dollars. 1741. Le «?ex-Carrodus?»Décrit comme l’un des meilleurs violons du luthier, ce violon doit son nom au violoniste Jhon Tiplady Carrodus. Comme le Lord Wilson, il est aujourd’hui détenu par le collectionneur David L Fulton pour une valeur estimée à 10 millions de dollars.1742. «?Lord Wilton?»Conçu en 1742, le violon «?Lord Wilton?» a résonné aux sons du violoniste Yehudi Menuhin, de 1978 jusqu’à son décès en 1999. Ensuite, l’instrument a été vendu à un collectionneur, David L Fulton, pour la somme de 6 millions de dollars. À noter qu’il doit son nom au musicien Seymour John, 4e Lord Wilton, l’ayant appartenu au cours du XIXème siècle.1741. Le «?ex-Kochanski?»Là encore, le nom du violon n’échappe pas à la règle de faire la mention d’anciens propriétaires, à l’image du virtuose polonais Paul Kochanski. Très bien conservé, il a longtemps appartenu à Aaron Rosand (50 ans) qui l’a revendu à un homme d’affaires russe pour la somme de 10 millions de dollars.Une mention spéciale au violon «?Dorothy DeLay?», conçu par le luthier italien Guadagnini (1711 – 1786) qui figure parmi les violons les plus précieux au monde, sans pour autant appartenir aux deux plus grands artistes de cette époque. Devant son nom à son ancienne propriétaire, la violoniste Dorothy Delay, il fut racheté en 2013, à près d’un million d’euros, à l’occasion d’une vente organisée par Tarisio.Sources : https://www.francemusique.fr/actualite-musicale/top-10-des-violons-les-plus-chers-du-monde-289https://www.guillaume-kessler.fr/les-violons-les-plus-chershttps://palomavaleva.com/les-violons-les-plus-chers-du-monde/
0 Comment réussir son solo à la guitare ? ...
Vous faites partie d’un groupe et on vous a confié la dure mission de réaliser un solo de guitare ? Vous êtes chanteur est vous souhaitez réaliser un pont musical qui en jette dans votre morceau ? Mieux vaut prendre quelques informations avant de vous lancer pour être sûr d’offrir le meilleur à votre public. Voici quelques notions à bien retenir pour réussir son solo de guitare et améliorer votre jeu ! Bien choisir son solo pour mieux brillerVous allez réaliser un solo de guitare mais vous n’êtes pas sûr de vous ? La première chose à faire est de vous assurer que la difficulté de ce solo sera à votre portée. Vous venez de commencer la guitare ? Aucun problème, un solo peut être fait de quelques notes et faire un super effet. L’important est de le réussir et d’être fier de ce que vous allez accomplir, de ce que vous allez transmettre.Vous avez au contraire déjà derrière vous plusieurs années de pratique ? Tant mieux ! Profitez et laissez-vous tenter par des difficultés supplémentaires mais n’oubliez pas qu’avec le stress, la précipitation ou la fatigue, votre solo peut aussi tourner rapidement au fiasco… Il faut donc savoir être raisonnable et porter un regard objectif sur la pratique de votre instrument. Votre professeur de musique est parfois la personne la plus à même de vous guider dans vos choix. Un seul solo de guitare mais plusieurs possibilitésPensez à vous offrir plusieurs portes de sortie ! Vous avez la tonalité du morceau, vous avez en tête les notes et la couleur que vous souhaitez donner à votre intervention musicale, c’est le principal. Laissez-vous alors le choix entre plusieurs options musicales que vous aurez testées et approuvées en répétition. Un solo de guitare bien réussi, sobre et clair, sera plus apprécié qu’un solo empli de riffs et de bends mal maîtrisés. Au moment venu, vous pourrez choisir de jouer telle ou telle partition.Vous redoutez de ne pas vous sentir à l’aise quelques mesures seulement avant votre solo de guitare ? Notez qu’une montée de stress peut vous bloquer en plein milieu d’un concert ou d’une représentation. Avoir plusieurs portes de sortie, c’est donc aussi savoir que vous pourrez compter sur un solo de batterie ou de violon de l’un de vos compères si besoin. Un seul coup d’œil et le relais est passé. Savoir que tout ne repose pas entièrement sur vos épaules et que vous avez le droit de flancher peut être réellement salvateur. Les guitaristes qui prévoient de telles roues de secours n’ont bien souvent jamais l’occasion de s’en servir, mais comme le dit l’adage, mieux vaut prévenir que guérir ! Si vous jouez seul et que le solo vous effraie au dernier moment, n’hésitez pas à faire l’impasse dessus.Penser son solo de guitare, bien avant de le jouerLa scène est à vous pour quelques instants, quelques mesures qui accueilleront votre solo de guitare. Un moment que vous pouvez choisir d’improviser, ou au contraire, d’écrire avec précision. Cette donnée dépendra seulement de votre caractère, de votre aisance à manipuler votre guitare et de votre aptitude à gérer le facteur stress. De très grands musiciens pourront vous offrir des solos différents à chaque concert, tandis que d’autres joueront toujours les mêmes suites de notes, par habitude mais aussi parfois pour correspondre aux attentes du public.Votre solo de guitare doit donc avoir été pensé et dessiné en amont. Vous pouvez le définir seul ou avec les autres membres de votre groupe. Demander conseil à des musiciens, impliqués ou non, est toujours aussi très intéressant. Posez-vous alors les bonnes questions : Pourquoi un solo à ce moment du morceau ? Que doit-il apporter ? Est-ce un moment de respiration musicale, une pause pour souligner les paroles précédentes ? Un tremplin vers une montée en puissance à venir ?... Tous ces éléments vous permettront de définir plus précisément la couleur et donc la teneur de votre solo de guitare. Victor Hugo écrivait « La musique, c’est du bruit qui pense », alors votre solo, à quoi pense-t-il ? A quoi renvoie-t-il ?Si le solo est déjà écrit et que vous avez été désigné pour le jouer, souvenez-vous que vous n’avez pas été choisi pour rien. Vous allez y arriver ! Réussir son solo de guitare à force de travailUn solo, quel que soit l’instrument concerné, implique que tous les regards seront tournés vers vous pendant quelques secondes. Tous les regards, et surtout toutes les oreilles ! La moindre fausse note de votre solo de guitare sera donc repérée, le moindre faux pas dévoilé au grand jour. Ces mots n’ont pas pour but de vous stresser mais bien de vous faire prendre conscience qu’un solo est un honneur et qu’il mérite un travail de votre instrument en conséquence.Travailler son solo de guitare est primordial pour le maîtriser correctement. Vous devez en savoir les notes, le rythme et le doigté. Vos mains doivent être capables d’enchaîner les notes ou les accords de façon fluide. Si vous comptez improviser ce solo, vous devez tout de même connaître les accords et la tonalité des mesures que vous avez à jouer. Une dissonance serait tout de suite repérée et montrée du doigt.Quelques exercices pour répéter son solo de guitareRéussir son solo de guitare, c’est donc le répéter, encore et toujours. Afin de rendre votre jeu plus fluide, vous pouvez jouer les notes de votre solo tout en en changeant le rythme. Ternaire, binaire, façon country, rock, plus classique… Les suites de notes et d’accords doivent se faire sans encombre et être parfaitement liées. Vous bloquez toujours sur la même mesure ? Continuez à la travailler et intégrez-là dans un autre morceau, dans une autre suite de mesures de façon à décaler le problème. C’est une solution très utilisée en musique pour surmonter les difficultés.Jouez votre solo de guitare sans aucun autre accompagnement, d’abord à une vitesse lente, puis en accélérant de plus en plus. Au moment où vous sentez que vos doigts se font hésitants, ralentissez la cadence et continuer à cette même allure. La musique demande souvent de procéder par étape. Marre de répéter votre solo ? Faites une pause et reprenez votre jeu plus tard, ou travaillez-en chaque jour deux ou trois mesures différentes.Se faire aider pour réussir son solo de guitareVous avez la chance de prendre des cours aux côtés d’un professeur de guitare ? Proposez-lui de jouer votre solo, en duo. La puissance de la musique est largement démultipliée lorsque deux instruments ou plus jouent à l’unisson. Vous pourrez également vous améliorer en observant la technique de ce musicien plus expérimenté que vous.Réussir son solo de guitare demande un entraînement, une rigueur et un état d’esprit bien particuliers. Le travail de votre instrument est alors tout aussi important que les émotions que vous souhaitez transmettre à votre auditoire. Ce n’est qu’en étant à l’aise avec votre manche de guitare, en jouant et en rejouant les mesures de votre solo, que vous parviendrez à partager vos émotions. Un solo est un moment tellement particulier dans la vie d’un musicien, un tel échange avec le public, qu’il mérite d’être pense, travaillé et joué avec plaisir.
0 L'entretien du matériel : La guitare ...
Lorsque l'on pratique un instrument de musique, il est important de savoir l'entretenir et de s'en occuper régulièrement. Cela à la fois pour le respect de l'instrument, mais surtout pour le garder dans le meilleur état possible et assurer sa pérennité. Après avoir bien choisi votre première guitare, le temps est venu d'en prendre soin ! Je vous propose quelques conseils pour bien entretenir une guitare (acoustique, électrique ou bien une basse). Une guitare est majoritairement construite en bois. Le bois est une matière sensible qui peut bouger et évoluer selon les températures, l'humidité, les chocs...Il est donc primordial de s'occuper de son instrument en fonction des ces différents éléments. Le soleil, le froid ou encore l'humidité sont logiquement les ennemis principaux d'un instrument en bois.A titre d'exemple, nous observons souvent des violonistes être extrêmement rigoureux avec leur instrument. Nous comprenons facilement cela car le violon est un instrument au prix relativement élevé. Malheureusement ce genre d'attitude est moins répandu chez les guitaristes et cela peut avoir des conséquences très dommageables sur l'instrument : décollage du bois, désaccordage constant ou encore fissures diverses peuvent arriver lorsque l'on s'occupe mal de sa guitare. 1 : Les chocs Ils sont forcement dangereux pour les instruments fragiles, il est donc important de protéger sa guitare lors des transports avec une housse pour les petits trajets ou avec un « fly case » (housse rigide) pour les longs trajets, voiture, avion... Il est important de ne jamais poser sa guitare contre un mur, sans supports. Pour cela, il est préférable de faire l'acquisition d'un « stand » (repose guitare) afin de pouvoir poser sa guitare, que ça soit chez soi, en concert, ou en répétition. Cela principalement, afin d'éviter les chutes dangereuses. Le manche et la table son logiquement les parties de l'instrument les plus fragiles lors des chocs. Par exemple, les guitares Gibson sont connues pour avoir une table très lourde ce qui, en cas de choc violent, casse quasi instantanément la tête de manche. Il le ne reste plus qu'à racheter une nouvelle guitare, ce qui est plutôt dommage ! 2 : La rouille et les changements de températureLes éléments en métal sur la guitare comme les micros, les vis, ou les mécaniques (qui servent à accorder l'instrument), sont souvent sujet à la rouille. Cela peut devenir gênant lorsque l'on veut changer certains de ces éléments. En effet, les pas de vis deviennent alors impraticables. Au delà de l'aspect visuel de la rouille, il est important d'éloigner l'instrument des radiateurs et autres fenêtres ou courant d'air afin éviter ce type de problème. Les modèles haut de gamme ont souvent des matériaux anti rouille mais cela est loin d'être le cas pour toutes les gammes d'instruments. Les différences de temperatures agissent généralement sur le manche de la guitare ce qui joue alors sur la justesse de l'instrument et sa capacité à « tenir l'accord » (rester accorder juste, le plus longtemps possible). Un manche de guitare est bien évidemment réglable, mais cette opération doit être absolument réalisée par des professionnels ou des personnes qui le pratiquent régulièrement. Pour les guitaristes débutants, il est indispensable de rapporter sa guitare au magasin pour un réglage complet si les problèmes d'accordage persistent. Un manche mal réglé peut se révéler, à long terme catastrophique pour la guitare. Les cordes sont aussi des éléments sujets à la rouille. Cela peut être à cause de l'univers ambiant de la pièce où est entreposé l'instrument, mais aussi en raison d'une pratique intensive ou encore d'une forte transpiration des doigts. Certains éléments pénètrent alors sous le filetage et affecte la vibration des cordes, ce qui influe sur la netteté du son et accélère également l'oxydation (d'où les problèmes de rouille). 3 : Le nettoyage :Dans ces différents cas, il faut appliquer, après l'usage de l'instrument, du produit d'entretien des cordes qui sert à combattre la rouille et garde l'effet clinquant des cordes neuves. Ou simplement un chiffon à passer sur chaque corde. Les produits de nettoyage se trouvent facilement dans tous les magasins de musique. Le manche et les frettes doivent aussi être nettoyés régulièrement avec des produits, par exemple à base de citron, la table de la guitare se nettoie avec des produits plus classiques pour le bois ou les surfaces plaquées. Le plaisir de la musique est aussi le plaisir de se saisir de son instrument. Ces conseils sont aussi importants que la technique, ils font partie intégrante de la bonne pratique musicale. Nos professeurs transmettent leurs savoir faire musical mais aussi leurs connaissances du matériel, de l'entretien ainsi que leurs expériences professionnelles. Enseigner, c'est surtout transmettre sa passion et ses connaissances : ces éléments permettront aux élèves de progresser dans de meilleures conditions et d'avoir une plus grande compréhension du fonctionnement de leur instrument. Voila donc pour ces quelques conseils simples d'entretien de votre instrument, sachant qu'une guitare en bon état donne toujours plus envie de jouer qu'une vieille relique au fond de l'armoire... Dans le même thème : Tout ce que vous devez savoir avant d'apprendre la guitare / Bien choisir son modèle de guitare classique.
0 Les 7 étapes pour déchiffrer un morceau au piano et le jouer ...
Savoir lire les notes sur une partition est une chose, fort appréciable par ailleurs. Savoir les retrouver sur le piano en est une autre. Entre le déchiffrage de la partition et l'interprétation d'un morceau, plusieurs étapes sont nécessaires pour parvenir à une exécution réussie, comprenant l'apprentissage du rythme, des nuances et de l'intention du compositeur. Voici répertoriées 7 notions importantes qui vous accompagneront dans l'étude d'un nouveau morceau.Étape 1 : le solfège, indispensable pour déchiffrer une partition de pianoContrairement à la guitare qui utilise des tablatures, ou au violon qui s'écrit principalement en clé de sol, le piano nécessite deux clés différentes et donc deux portées pour y inscrire toutes les notes nécessaires à l'interprétation du morceau. En général, la portée supérieure en clé de sol se jour à la main droite, et la portée inférieure en clé de fa se joue à la main gauche. À moins de posséder l'oreille absolue, il est très difficile de reproduire avec exactitude un morceau entendu, notamment à partir d'un certain niveau de technique. Le solfège permet de retranscrire précisément les notes jouées, le rythme, le tempo, les nuances, mais aussi l'utilisation des pédales, ou le choix des bons doigtés pour chaque main.Dans les cours d'éveil musical, les professeurs apprennent à leurs petits élèves à chanter le nom des notes. N'hésitez pas à faire de même en déchiffrant à voix haute les notes de la partition, cette action aidera votre cerveau à faire plus rapidement le lien entre la boule noire sur la deuxième ligne et la note du sol. Étape 2 : repérer les notes sur le clavier du pianoCette étape concerne plutôt les débutants, mais il est essentiel de commencer le morceau à la bonne octave et sur la note juste. Normalement, si vous parvenez à lire les notes, vous devriez retrouver leur place sur le clavier sans trop de problèmes à partir du do médian, qui est le do situé à la quatrième octave sur un piano droit traditionnel. Sur la partition, il se place soit une ligne en dessous de la portée en clé de sol, soit une ligne au-dessus de la portée en clé de fa. Il constitue un point de repère et une liaison entre les deux portées.L'idéal pour apprendre à s'y retrouver parmi les 88 touches reste de prendre des cours de piano. Ainsi, votre professeur pourra vous renseigner sur différentes méthodes d'apprentissage et vous guider vers vos objectifs. Étape 3 : bien lire les indications données par la partitionEn dehors des notes proprement dites, une partition de piano comporte de nombreuses indications qui vous renseigneront sur la façon de jouer le morceau. Il faut donc prêter attention en particulier aux critères suivants pour réussir une interprétation juste :Année de création et courant musical concernéForme musicale du morceau : sonate, concerto, gavotte, etc.Compositeur (chacun possède ses propres spécificités de notation)Tempo auquel se joue le morceauAltérations présentes (dièses et bémols) notées juste après la cléTonalité du morceauNombre de temps par mesure (4/4, 6/8, etc.)Autres indications de nuances ou de vitesseSi vous avez des doutes concernant une indication, la meilleure méthode pour vous imprégner du morceau est d'en écouter une version jouée par un pianiste professionnel. Mieux, si possible, écoutez au moins deux versions différentes, car les interprétations de chacun peuvent largement différer, surtout si les indications sont assez floues ou libératrices (comme le fameux Rubato affectionné par Chopin qui laisse au pianiste le choix du tempo). Ainsi, vous aurez en tête une idée plus précise de ce que vous souhaitez obtenir à l'issue de l'étude.Étape 4 : jouer lentement le morceau au piano mains séparéesCette étape cruciale se révélera parfois frustrante. Car oui, une fois les notes déchiffrées, l'envie de se lancer directement dans l'interprétation prédomine. Pourtant, pour bien apprendre chaque partie, il est essentiel de les travailler mains séparées. Lors du déchiffrage de la partition ou juste après, le pianiste appose les doigtés aux endroits qu'il juge nécessaires, si ce n'est pas fait par l'éditeur. Cette action consiste à écrire sous les notes ou au-dessus de la portée le numéro du doigt qui la joue. Bien sûr dans les morceaux complexes, tous les doigtés ne sont pas indiqués et certains d'entre eux vous paraîtront logiques au fur et à mesure de l’apprentissage. Néanmoins, pour débuter et par la suite dans les passages difficiles, le respect des doigtés apportera fluidité et vélocité au morceau. Le cerveau n'a plus besoin de réfléchir à quel doigt utiliser pour la note, car c'est toujours le même à chaque interprétation.Avant de commencer l'étude proprement dite du morceau, quelques exercices pour délier les doigts s’avéreront utiles afin de bien les préparer. Ensuite, jouez calmement chaque main à son tour, en procédant par petites parties du morceau s'il est long. Rien ne sert de vouloir apprendre l'intégralité de la pièce d'un coup, vous obtiendrez de bien meilleurs résultats en fractionnant la partition par pages ou par dizaines de mesures. Étape 5 : jouer lentement le morceau au piano mains ensembleChaque main joue sa partie parfaitement ? Voici venue une autre étape cruciale, et non des moindres. Il s'agit à présent de jouer les deux mains ensemble.Même pour les pianistes expérimentés, la différence entre cette étape et la précédente peut se montrer énorme. Avec l'habitude, vous vous habituerez à coordonner vos mains, mais la complexité de certaines partitions rendra toujours cette tâche ardue. Pas d'inquiétude, en commençant à un tempo très lent, vous parviendrez peu à peu à intégrer l'ensemble. Ne cédez pas à la tentation d’accélérer dans les passages plus simples, essayez plutôt de garder une certaine régularité au long du morceau. Le jeu à deux mains vous révélera éventuellement des erreurs de doigtés ou de rythme, voire de déchiffrage de notes lorsque l'ensemble sonne faux. Mais c'est aussi à cette occasion que vous commencerez à saisir la véritable essence de la mélodie et de ses harmonies. Un véritable plaisir auditif.Étape 6 : jouer selon le tempo indiqué en améliorant les nuances Une fois le plus gros du déchiffrage et de la coordination effectué, l'étape suivante apporte des précisions techniques et d'interprétation. C'est à ce moment notamment que vous vous intéresserez aux nuances. Celles-ci se notent de différentes manières, et interviennent à plusieurs reprises dans la partition. Une indication globale est généralement donnée avant même l'écriture des portes, se référant soit au tempo d'interprétation (Largo, Allegro), soit à l'émotion transmise par la musique ("Con brio", "Affectuoso").Au cours du morceau, vous rencontrerez également les indications suivantes, classées de la plus forte à la plus douce :ff pour fortissimof pour fortemf pour mezzo fortep pour pianopp pour pianissimoEn plus de ces différentes notations, deux autres symboles visent à renseigner l’interprète sur la nuance à utiliser dans tel ou tel passage. Il s'agit des signes "inférieurs à" (crescendo, jouer de plus en plus fort) et "supérieur à" (decrescendo, jouer de plus en plus doucement). Ils s'écrivent normalement de façon plus étirée, de façon à correspondre à toutes les notes concernées. Dans le cas contraire, le symbole de l'accent signifie simplement qu'il faut accentuer la note, comme sur le premier temps d'une valse par exemple.Lorsque vous parvenez à jouer un morceau mains ensemble au bon tempo, attardez-vous sur les passages hésitants qui posent encore problème et rejouez-les lentement, mains séparées si besoin, plusieurs fois. La régularité paie toujours.Étape 7 : essayer de jouer le morceau au piano de mémoirePour une meilleure interprétation, les grands pianistes d’aujourd’hui jouent souvent sans partition. Cet exercice de mémoire parfois difficile selon la complexité du morceau garantit aussi de pouvoir s'en détacher, de se consacrer librement à l'expression de son ressenti. Comment parvenir à jouer de mémoire un morceau de piano sans se tromper ? Si vous avez bien suivi les étapes précédentes, vous constaterez que vous connaissez déjà une bonne partie des notes d'instinct. Essayez de jouer les premières mesures à chaque séance avant même de sortir votre partition, puis consultez-la lorsque vous avez un doute et reprenez.Il y a plusieurs façons de retenir un morceau, que ce soit à l'oreille, par le mouvement automatique des mains ou par la visualisation de la partition dans sa tête. Trouvez la vôtre et laissez vivre le morceau sous vos mains en y injectant vos émotions, quitte à vous éloigner de la partition originale ou des interprétations entendues. C'est ainsi que vous pourrez réellement vous l'approprier et l'apprécier.
0 Apprendre à jouer de la batterie tout seul : est-ce possible ? ...
Possible…oui ! Facile…Non ! Acquérir les bonnes bases, les postures adéquates, les bons gestes, cela ne s’improvise pas et peut même refroidir certains futurs apprentis batteurs, ados ou adultes, s’ils n’ont pas démarré l’apprentissage de la batterie dans des conditions correctes et avec des connaissances minima ! Apprendre la batterie en autodidacteApprendre à jouer de la batterie par ses propres moyens Adolescent passionné et prêt à s’investir ou autodidacte adulte qui souhaite démarrer sur de bonnes bases, il faut malgré tout appréhender quelques essentiels, que ce soit pour être capable d’improviser un bœuf avec un petit groupe d’amis, ou bien entreprendre un apprentissage approfondi dans le but de devenir un batteur aguerrit ! Sans quelques repères et conseils dispensés par un professeur, certaines erreurs seront plus difficiles à éviter pour un débutant. Apprendre à jouer de la batterie tout seul reste un challenge bruyant et inefficace si l’on n’est pas motivé à 200%. Ne pas rester seul face à son instrumentPour commencer, il est important de bien se documenter avant de frapper de ses baguettes le charleston, la caisse claire et les cymbales. Visionner des vidéos d’apprentissage et consulter des manuels est la première étape de l’apprentissage. Il faut vous imprégner de l’univers des percussions et vous familiarisez avec ce nouveau langage.Même si vous n’êtes pas encore véritablement certain de vos aptitudes, n’hésitez pas à pratiquer, à vous entrainer avec d’autres musiciens car cela vous aidera à progresser de manière considérable, surtout si vous êtes confrontés à quelques blocages. Contrairement à la plupart des instruments de musique, la batterie n’est pas un instrument à pratiquer en solo, au contraire, elle est mise en valeur par les autres instruments. La difficulté réside dans la coordination et l’harmonie avec l’ensemble musical.Si vous débutez en autodidacte, prêtez particulièrement attention à : L’ajustement de votre siège votre position La position des éléments de la batterie La prise en mains et la bonne tenue des baguettes Vous assurer d’une belle frappe sur les instruments Bouger et vous répartir face à l’ensemble de la batterie Maîtriser les techniques des pédalesAvoir le rythme dans la peau, c’est un plus, mais savoir le développer comme De John Bonham ("Led Zeppelin") ou Ian Paice ("Deep Purple" ), en passant par Keith Moon ("The Who") c’est le must ! Prendre des cours de batterie avec un professeur de musiquePour débuter, prendre des cours de batterie avec un professeur reste le moyen le plus sûr de commencer son apprentissage dans de bonnes conditions. Cela apportera à tout débutant, quel que soit son âge, une motivation qui fera la différence dès les tous premiers cours, ainsi que l’assurance de ne pas prendre de mauvaises habitudes ou bien d’accumuler des lacunes. Des cours de batterie vous permettront de :Maîtriser les bases (postures, tenue de baguette, frappe)Etre capable de jouer des rythmes et les fills (roulements) avec les enchaînementsSavoir jouer en musique, en accord avec les bons temposMaîtriser son jeuEvoluer de façon autonomeVotre professeur de musique vous accompagnera tout au long de votre apprentissage et sera présent pour vous prodiguer ses conseils et vous redonner confiance en vous en cas de doute ou de baisse de motivation. Il vous aidera à découvrir l’univers des percussions et pourra vous aiguillez vers certaines références, certains styles musicaux dans lesquels vous pourriez bien vous reconnaître et vous épanouir.Apprendre à jouer de la batterie, ce n’est pas simplement faire du bruit en tapant sur un tambour. C’est l’apprentissage d’un ensemble de subtilités qui vont donner de la structure à un morceau. Contrairement à certaines idées reçues, la batterie n’est pas un instrument facile, même s’il est accessible à tous. Il nécessite de l’investissement personnel et une certaine volonté.Si vous souhaitez devenir un bon batteur amateur ou professionnel, il est indispensable de maîtriser les bases et de comprendre le rythme et la structure d’un morceau. Si cela vous semble compliqué, ne baissez pas les bras et n’hésitez pas à faire appel à un professeur particulier !
0 Portrait de guitariste et chanteur : Éric Clapton ...
Proclamé second guitariste de tous les temps par le magazine Rolling Stone, juste derrière Jimi Hendrix, Éric Clapton s’est construit sur une enfance tourmentée, au gré de plusieurs influences « blues » comme Big Bill Broonzy, Robert Johnson ou encore Muddy Waters. Au fil des années, au sein de ses nombreux groupes et en solo, ses multiples talents se sont révélés - instrumentiste, chanteur, compositeur - pour aujourd’hui en faire une vraie légende de la musique blues ! Portrait. La guitare, refuge d’une jeunesse tourmentéeFils illégitime d'un soldat canadien et d'une mère anglaise de 16 ans, Éric Clapton est né à Ripley dans le Surrey au Royaume-Uni le 30 mars 1945. Confié à ses grands-parents, ce n’est qu’à l'âge de 9 ans qu’il apprend que sa grande sœur est, en réalité, sa mère. Profondément choqué, l'adolescent peine à trouver son équilibre et ne trouve aucun refuge dans les études : il est renvoyé de l’École d’art de Kingston upon Thames à cause de ses mauvais résultats.Pour son 13e anniversaire, ses grands-parents lui offrent sa première guitare acoustique, une Höfner de fabrication allemande. S’il a jugé son apprentissage de l’instrument très difficile, au point de presque l’abandonner, il persévère, mais reste peu confiant sur ses talents : « J'en fais un peu ; j'ai bossé quelques trucs de blues depuis un moment ; rien de sérieux. »[1]À la même époque, il commence à fréquenter les clubs de musiciens, à l’image du Ealing Club, qui accueille les Rolling Stone, auprès de qui le jeune Éric fera même occasionnellement le chanteur. Un style personnel développé dans ses différents groupesAprès avoir appris par cœur un album de Chuck Berry, Éric Clapton intègre son premier groupe Les Roosters en mars de 1963. Mais grâce à sa réputation de guitariste (construite sans même un cours particulier de guitare !), il est rapidement embauché par les Yardbirds, son premier groupe professionnel : avec eux, ils ne jouent pas de compositions personnelles, juste des reprises entre rock et blues.Avec l'expérience, Éric Clapton développe un style très personnel, un jeu influencé par Buddy Guy, Freddie King et B. B. King. Face à cette forte personnalité, il devient une des figures clés du groupe. À l’époque, on le surnomme « Slowhand », en référence au claquement de mains du public, quand le spectacle est interrompu par le changement d’une corde cassée.De 1965 à 1970, l’artiste navigue au sein de plusieurs groupes. Les Bluesbreakers, avec un univers R&B qui lui fait troquer sa Fender Telecaster par une Gibson Les Paul Standard, au son plus puissant et authentique. Idole adulée à Londres, il est érigé au statut de dieu : « On disait que j'étais le meilleur guitariste du monde. C'est vrai, j'ai toujours voulu l'être, mais ce n'est qu'un idéal inaccessible ». Avec les trios célèbres des Cream (Ginger Baker et Jack Bruce), il développe sa technique de chant et ses talents d’auteur. L’univers psychédélique du groupe lui permet de faire de longues improvisions sur scène. Un artiste marqué par des tragédiesAvec le guitariste Duane Allman, il crée la chanson « Layla ». George Harrison et Pattie Boyd sont déjà fiancés quand Éric Clapton rencontre le couple en 1967. Rapidement, l’artiste devient ami avec George et nourrit des sentiments pour Pattie. Un amour à sens unique (à cette époque-là), qui lui inspirera ce titre « Layla », mais c’est un échec commercial qui le plongera dans la déprime. Puis viendront l’alcool, la drogue et la mort de Jimi Hendrix ou de Duane Allman (accident de moto).Heureusement, il pourra compter sur ses amis pour le sortir de la spirale infernale et le libérer de l’héroïne. En solo, il renouera avec le succès, grâce à sa reprise de « I Shot the Sheriff ». Au cours des années 70, il réalise plusieurs albums, accueillis de manière très inégale par les médias et le public. Alcoolique non repenti, il est hospitalisé à la fin de cette décennie et doit suivre une cure de désintoxication.De retour sur le devant de la scène, il réalise plusieurs albums, dont « August » produit par Phil Collins en 1986. Mais il est encore touché par deux tragédies personnelles : la mort du guitariste Stevie Ray Vaughan dans un crash en hélicoptère, alors qu’il devait initialement être sur le vol et le décès de son fils de 4 ans et demi, défenestré du 53e étage de son appartement. De ce terrible accident naîtra la magnifique chanson « Tears in Heaven ». En 1992, avec l’album acoustique Unplugged, « Layla » devient un vrai tube et marque le retour de la légende sur scène. Les années suivantes sont marquées par de belles collaborations, comme celles avec Carlos Santana, B. B. King, Luciano Pavarotti… En 2002, il organise le « Concert for George » pour son ami, décédé d’un cancer du poumon un an plus tôt. Puis, il continue les albums, les tournées et les participations remarquées. En 2015, on apprend qu’Éric Clapton souffre d’une lésion au système nerveux qui le handicape au niveau de son jeu de guitare, mais cela ne l’empêche pas de sortir son 23e album un an plus tard… Aujourd’hui, la légende du blues tourne toujours ![1] Source citation : https://fr.wikipedia.org/wiki/Eric_Clapton
0 Pourquoi motiver son enfant pour apprendre le piano ? ...
Les activités extra-scolaires telles que le piano peuvent devenir des facteurs déterminants dans le développement de votre enfant. Des études scientifiques ont maintes fois prouvé que les leçons de musique dès le plus jeune âge renforcent les capacités cérébrales et l’intelligence. Les enfants musiciens sont moins enclins à l’anxiété ou à la dépression une fois adultes. Cela améliore même leur créativité et les aide à mieux exprimer leurs sentiments.Alors, si vous hésitez encore à motiver votre enfant à faire du piano, voici quelques pistes pour vous aider à vous décider ! Apprendre le piano pour renforcer sa mémoireLes instruments de musique comme le piano contribuent au développement neurologique, au renforcement de la mémoire et des capacités d’apprentissage. La structure rythmique et les notes du piano augmentent leur potentiel d’apprentissage en les aidant à comprendre des concepts abstraits. Entraîner leur oreille pour apprendre de nouveaux morceaux améliore aussi considérablement la capacité des enfants à retenir des informations.Pour développer ses capacités motrices et sa coordinationOutre la connaissance des notes, jouer du piano implique de pratiquer doigtés et positions de mains. Cela aide les enfants à améliorer leur coordination et leur posture. De plus, les cours de musique sont très efficaces pour calmer les enfants hyperactifs en leur permettant de canaliser leur énergie de manière positive.Pour qu’il s’améliore en mathsQui eût cru que la musique pouvait donner la bosse des maths ? Car oui, comprendre le rythme et la structure des morceaux peut aider les enfants à comprendre des concepts mathématiques, comme les fractions par exemple. Cela leur permet de renforcer leur capacité de raisonnement, en les aidant à reconnaître des motifs. Des études ont également montré que la musique peut aider les enfants à progresser dans d’autres matières comme la physiques ou les langues.Découvrez également nos 9 bonnes raisons de choisir le piano pour commencer l'apprentissage de la musique.Pour mieux comprendre le monde qui l’entoureLa musique n’est pas simplement une suite de notes. Comprendre comment un morceau est construit peut permettre à votre enfant de développer sa créativité, de mieux s’exprimer. Cela permet aussi d’ouvrir leurs esprits à des concepts et des idées très différentes, de quoi avoir les moyens de réfléchir hors de la boîte. Pour améliorer sa confiance en luiLa musique est connue pour avoir une influence positive sur les gens et particulièrement sur les enfants. Une pratique régulière mettant en valeur ses progrès peut faire des miracles sur la confiance en lui. Les critiques constructives de la part de ses professeurs l’aideront à avancer et à se construire de manière positive, lui permettant plus tard de savoir se remettre en question.Prendre des cours de piano pour développer ses compétences socialesC’est bien connu, la musique rapproche les gens quelles que soient leurs cultures et leurs différences. En prenant des cours de musique ou en jouant dans des groupes votre enfant rencontrera et interagira avec d’autres enfants, élargissant ainsi ses horizons et lui permettant de se créer de nouvelles amitiés.Pour le déstresserLe piano inculque un sens de la discipline aux enfants en leur apprenant le goût de l’effort et la patience. De plus, les cours de musique sont amusants et permettent de se détendre après la pression de l’école, ils permettent de se changer les idées. Alors, encouragez vos enfants à jouer des morceaux qui leur plaisent !Le mot de la finVous n’avez pas besoin d’un passif musical pour aider vos enfants dans leurs leçons. Des encouragements et du soutien sont suffisants pour leur donner la confiance et l’envie de s’améliorer. Voici quelques petits conseils :Impliquez-vous dans leurs entraînementsParlez avec leur professeur pour savoir où en sont leurs progrèsAccompagnez vos enfants à leurs coursAyez des livres d’exercices pour pratiquer à la maisonEt surtout encouragez les efforts et les réussites de votre petit musicien ! Dans le même thème : Comment se passe un premier cours de piano ? / Quel instrument choisir pour mon enfant ?
0 Idée reçue n°3 : « Je ne pourrai jamais chanter juste, ma voix est irrécupérable ». ...
Nous sommes dans l’ère du développement durable : tout est récupérable aujourd’hui ! Et même votre voix. Pour cela il vous faudra commencer par prendre confiance en vous, et suivre quelques exercices de respiration, et vous découvrirez rapidement le potentiel de votre voix ! Le chant est un outil formidable et présente un potentiel très riche chez chacun. Il nécessite une attention particulière et parvenir à la maîtrise de sa voix est une aventure à la découverte de vous-même. Le fait de chanter faux ne doit pas être considéré comme une fatalité car, tout le monde peut parvenir à chanter juste.Votre professeur sera là pour vous guider dans ce travail et vous donner les moyens de redécouvrir votre voix, de l’apprivoiser et d’en devenir maître. Au-delà du travail technique qui vous permettra de développer votre potentiel, vous travaillerez aussi sur l’interprétation de chansons que vous appréciez voire sur la composition. Je laisse la parole à Nathalie, 42 ans, qui prend des cours avec nous depuis plus d’un an : « Je suis une femme assez occupée, avec un travail prenant, des enfants fatigants et finalement peu de temps pour moi. Il y a un peu plus d’un an, je me suis dit que j’allais prendre des cours de chant pour me faire plaisir, penser un peu à moi. Aujourd’hui, je regrette de ne pas avoir commencé plus tôt car ces séances de chant sont pour moi vitales. Au-delà de m’amuser sur des chansons de France Gall ou de Dalida, ce cours est aussi pour moi un moment de relaxation, de bien-être, une vraie bulle d’oxygène chaque semaine qui me permet de me booster. »
