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0 Comment initier son enfant au solfège ? ...
Il n’y a pas d’âge pour débuter la musique : à tout moment, on peut se familiariser avec un instrument. Mieux encore, plus les leçons commencent tôt, plus l'on multiplie ses chances de progresser rapidement, afin de devenir plus tard un excellent instrumentiste. Dès lors qu’un enfant éprouve le désir de découvrir cet art, il faut l’encourager, et l’accompagner en ce sens : l’envie doit toujours être le premier moteur. Mais comment s’y prendre pour passer l’étape du solfège, théorique, susceptible de faire peur aux plus jeunes ? Voici quelques astuces pour aider ces chères têtes blondes à comprendre les bases de la musique — vous serez surpris de voir à quelle vitesse ils peuvent assimiler toutes les connaissances.À partir de quel âge peut-on commencer la musique ?Beaucoup de parents se posent la question de l’âge à partir duquel il est possible d’inscrire son enfant à des cours de musique, afin de débuter le solfège et de découvrir un nouvel instrument comme la guitare, le violon ou encore le piano. Concrètement, tous les enseignants ne répondent pas de la même manière à cette question, car certains estiment qu’il n’est jamais trop tôt, tandis que d’autres préfèrent tout de même instruire des élèves qui ont déjà appris la lecture, par exemple (après le cours préparatoire). Idéalement, on s’accorde souvent sur l’âge de 6-7 ans, qui semble totalement adapté à l’apprentissage du solfège. En effet, à ce moment, l’enfant est intellectuellement capable d’engranger une grande quantité d’informations. Il a bien travaillé sa mémoire, et il sait se moduler à de nouvelles formes d’apprentissage (c’est pour cette raison que l’on conseille aussi de débuter l’anglais à l’école primaire?!).Avant l’âge de 6 ans, les parents peuvent tout naturellement commencer l’éveil musical de l’enfant, au travers de différentes pratiques : lui faire écouter de la musique dès sa naissance, lui acheter des jeux musicaux destinés au premier âge, puis des petits pianos factices après 3 ans. Si vous avez un ou plusieurs instrument(s) authentique(s) à la maison, jouez-en devant l’enfant très tôt : il éprouvera logiquement l’envie de toucher, d’essayer et d’apprendre plus tard.Finalement, la découverte de la musique et des instruments précède souvent la familiarisation avec le solfège. Car s’il faut un minimum de capacités intellectuelles pour engranger toutes ces notions théoriques, on peut déjà développer un attrait pour la musique bien avant 6 ans?!Comment apprendre le solfège en s’amusant ?Puisque le solfège peut sembler compliqué et difficile d’accès au premier abord, quelques astuces facilitent son apprentissage, lorsque l’on doit composer avec un public jeune : il faut miser sur l’aspect ludique?!À titre d’exemple, il existe des jeux de cartes spécialement pensés pour apprendre progressivement le solfège. On débute avec les clés de sol et clés de fa, puis l’on introduit petit à petit de nouveaux éléments. L’enfant se familiarise avec la théorie sans même s’en rendre compte, puisqu’il a simplement l’impression d’être au cœur d’une partie de cartes?!Idéalement, on évite d’immerger l’enfant dans un livre de solfège, surtout s’il n’est pas destiné à cette cible. Si vous aimez ce support, choisissez des éditions adaptées à son âge. Sinon, jouez plutôt sur les couleurs, les ateliers avec des autocollants et les dessins en tous genres. Certains ont même conçu des cahiers de coloriage sur la thématique. Là encore, l’enfant ne se contente pas de s’amuser avec ses crayons, il apprend sans s’en rendre compte.Sur la toile, dans les librairies spécialisées ou auprès des professeurs dans les écoles de musique, les ressources ne manquent pas pour accompagner les plus jeunes dans la découverte du solfège. Demandez des conseils, armez-vous de supports adaptés à l’âge de l’enfant — et n’oubliez jamais que tant qu’il s’amuse, il continuera volontiers les leçons et progressera rapidement. Enfin, pour optimiser les chances de réussir l’apprentissage, le recours à des leçons avec un enseignant demeure la meilleure solution?!
0 Les 10 plus beaux airs d'opéra à chanter ...
L'opéra est depuis toujours vecteur de grandes émotions. La musicalité et la beauté de ses airs séduit même les plus néophytes en la matière. Il en existe toute une variété, et correspondant à toutes les tessitures possibles. Que vous souhaitiez chanter votre amour, exprimer votre colère ou confier votre peine, entonner un air d'opéra pourrait bien devenir votre catharsis personnelle. Faut-il une voix particulière pour chanter de l'opéra ?Coffre, puissance, volume, hauteur, la voix d'un chanteur ou d'une chanteuse d'opéra remplit souvent un certain nombre de critères définis par les contraintes musicales et par l'interprétation requise. En fonction du type de voix de l’interprète, le personnage joué paraîtra plus ou moins agréable, méchant, drôle ou naïf. Si vous souhaitez chanter des airs célèbres avec conviction, choisissez ceux qui paraissent correspondre à votre tempérament et à votre façon de chanter. Voici quelques exemples des caractéristiques de voix souhaitées en fonction des personnages :Le héros : ténorL’héroïne : soprano lyriqueLa jeune femme, la soubrette : soprano légerLe jeune homme, le travesti, la servante : mezzo-sopranoLa séductrice, la méchante : mezzo-soprano dramatiqueLa sorcière, la femme âgée : contre-alto ou altoLe père, le mari, l'amant : barytonLe roi, le sage, le méchant : basseCes indications varient en fonction du compositeur, de l'époque, des capacités personnelles du chanteur. Vous pouvez donc tout à fait reprendre un air d'opéra pour baryton en étant soprano si le cœur vous en dit, en ajustant la tonalité. Les airs d'opéras célèbres les plus connusVous les avez sans doute entendus dans une publicité, à la radio ou lors d'un concert. Ces airs très célèbres extraits des opéras les plus joués au monde font vibrer, tant par leur prouesse technique que par la vive émotion portée par le texte. Même si vous ne comprenez par l'italien ou l'allemand, vous serez certainement saisi par l'intensité des interprétations. "L'amour est un oiseau rebelle" dans Carmen, de BizetConsacré et reconnu par le milieu populaire, l'opéra de Carmen reste l'un des plus chantés et des plus appréciés. Stromae lui-même s'en inspire largement dans sa chanson éponyme. L'histoire de cette femme extravagante, séduisante, au caractère trempé, qui préfère mourir libre plutôt que de vivre sous le joug de l'amour, a transcendé des générations. Dans cet air mélodieux, l'héroïne exprime sa vision particulière de la séduction et de l'amour, qui fuit celui qui le cherche mais trouve celui qui ne l'attend pas."L'air de la reine de la nuit" dans La Flûte Enchantée, de MozartAttention, voici un morceau qui n'est pas accessible à tout le monde, et pour cause. "L'air de la reine de la nuit" représente une véritable prouesse de soprano dramatique, à la fois de par ses notes hauts perchées atteignant le contre-fa, et de par ses trilles énergiques. Il en faut au moins autant pour arriver à la hauteur de la colère de cette méchante reine, qui demande à sa propre fille de tuer son adversaire, le sorcier, sans quoi la jeune fille sera répudiée. "Sempre libera" dans La Traviata, de VerdiCet opéra connut un succès quasi immédiat, après une première représentation quelque peu incomprise. Passion de l'amour interdit, sacrifice et destin tragique s'entremêlent dans cette composition émouvante qui laisse la part belle à l'héroïne, une courtisane mortellement atteinte de tuberculose. Dans cet air d'une rare difficulté technique, Violetta dévoile ses émotions face aux convenances qui l'estiment "perdue", le sens même du mot "traviata". "Non più andrai" dans Les Noces de Figaro, de MozartLe personnage de Figaro imaginé par Beaumarchais prend vie et couleur sous les notes du plus célèbre compositeur de tous les temps. Dans cet air, le valet Figaro fait une description pittoresque des amusements auxquels n'aura plus le droit le jeune Chérubin, amoureux invétéré de toutes les femmes, dès lors qu'il entrera dans l'armée. Malgré l'apparente facilité de la mélodie, c'est un morceau qui requiert toute la puissance d'une voix bien placée. "Largo al factotum" dans Le Barbier de Séville, de RossiniÀ nouveau sur un texte de Beaumarchais, mis cette fois en musique par l'italien Rossini, cet opéra-bouffe constitue les prémices du mariage de Figaro. On y retrouve donc dans cet air le barbier Figaro qui se présente avec panache et humour, interrompant la sérénade du comte envers la jeune Rosina. La rapidité des croches et du débit rendent ce morceau pour baryton aussi plaisant que technique. "Un bel di vedremo" dans Madame Butterfly, de PucciniMadame Butterfly est une histoire d'amour délicate entre une jeune geisha et un officier américain peu regardant sur la teneur de ses sentiments, qui l'épouse par fantaisie et retourne ensuite se marier en Amérique. La pauvre japonaise finit par se suicider, lui confiant le fils de leur union. Dans l'air de "Un bel di verdemo", la demoiselle essaie de se convaincre que son amant reviendra, éblouie par sa passion et sa foi. "Una furtiva lacrima" dans L'Elisir d'amore, de DonizettiAdina, riche fermière, est courtisée par Nemorino, simple paysan, qu'elle rejette inlassablement. Lorsque ce dernier devient un parti idéal à la suite d'un héritage, toutes les paysannes de la région veulent l'épouser. Adina comprend alors la réalité de ses sentiments et tente de faire comprendre à Nemorino la teneur de son amour. C'est dans cet air que le paysan devenu riche reconnaît une larme dans les yeux d'Adina à l'aube de son départ pour la guerre, preuve irréfutable pour lui qu'elle l'aime. Les deux amants pourront alors enfin être réunis. "Nessun Dorma" dans Turandot, de PucciniLe héros de cet opéra inachevé par son compositeur (décédé avant d'avoir fini d'écrire la dernière scène) tombe amoureux de la princesse Turandot, cruelle mais superbe, qui tue tous les prétendants incapables de résoudre ses énigmes. Après avoir réussi les épreuves, le jeune homme laisse la possibilité à la princesse de se dédire de leur engagement. Il confie dans cette scène son appréhension à la nuit, craignant de perdre l'amour de sa vie, mais ne pouvant lui imposer ses sentiments. "Air du Toréador" dans Carmen, de BizetUn autre air inoubliable de cet opéra chargé de pépites est chanté par le toréador Escamillo, second amant de Carmen après Don José. Le chœur qui l'accompagne clôture également la dernière scène, durant laquelle Don José poignarde son amante plutôt que de la laisser partir. Ici, Escamillo fait une entrée haute en couleur saluée par la foule, avant de pénétrer dans l'arène. "Air des clochettes" dans Lakmé, de DelibesCet air, très difficile de par la présence de notes extrêmement aiguës allant jusqu'au contre-mi, fait partie d'un opéra français moins connu du grand public. La jeune hindoue Lakmé tombe follement amoureuse de l'officier britannique Gerald. Le père de Lakmé, ayant découvert sa passion pour un étranger, lui demande de chanter en public cet air afin que l'officier se trahisse en reconnaissant la voix de la jeune fille.
0 Comment apprendre le chant aux enfants ? ...
Dès le plus jeune âge, il est tout à fait possible d’initier les enfants au chant : il s’agit d’une pratique qui contribue à l’éveil global, diminue le stress, favorise la cohésion de groupe… Et peut même faire naître de nouvelles passions?! De quelle manière peut-on procéder pour aider les plus jeunes à découvrir le chant, à maîtriser leur voix et à la poser sur une mélodie ? En s’adaptant à sa cible et en rendant l’exercice ludique, les cours de chant se déroulent facilement dans le plaisir et la bonne humeur. L’éveil musical : et si l’on commençait à chanter avec bébé ?Il est souvent question de cours de chant pour des enfants de maternelle, ou des jeunes écoliers en cours élémentaire. Mais contre toute attente, la familiarisation avec la musique peut commencer bien plus tôt?!Chanter une comptine à un nourrisson n’est pas anodin : les parents remarquent que cela les apaise presque instantanément, qu’ils se concentrent et qu’ils écoutent sagement la mélodie. De même, l’usage de jouets sonores est vivement conseillé, car ils aident le bébé à comprendre que, par lui-même, il peut générer des sons. Très tôt, les nouveau-nés émettent des bruits et jouent avec leur voix. Il s’agit des prémisses de l’éveil musical.Pourquoi sensibiliser les plus jeunes à la musique ? Cette pratique est particulièrement riche en bénéfices : on développe les capacités d’écoute, mais aussi celles qui permettent la compréhension et la communication. L’enfant parvient à mieux se concentrer et, parfois même, se met à bouger pendant la musique : cela ne signifie pas un désintérêt, bien au contraire, puisque musique, danse et jeux sont étroitement associés dans la tête des nourrissons. Donner un cours de chant à des enfants : comment faire ? Si l’éveil musical débute dès les premiers mois de la vie, il faut poursuivre l’éducation aux sons et aux mélodies par la suite. L’apprentissage du chant chez les enfants est particulièrement intéressant, car il offre de nombreux bénéfices (meilleure confiance en soi, gestion du souffle, diminution du stress, etc.). Naturellement, face à une cible jeune, on peut adapter ses méthodes pour que les cours de chant soient agréables et profitables. Avant de chanter, on s’entraîneLes cours de chant ne commencent pas systématiquement par du chant, bien au contraire?! On apprend aux jeunes comment adopter une bonne posture, celle qui sera élégante en reproduction — mais qui permettra aussi de se sentir plus en confiance au quotidien.Par la suite, le travail se poursuit sur les techniques de respiration, essentielles dans le chant. L’apprentissage de ces méthodes d’inspiration et d’expiration «?par le ventre?» n’est pas toujours simple pour les plus jeunes, qui ont naturellement tendance à suivre leur instinct et à respirer par le haut du buste. Concrètement, incitez-les à mettre la main sur le ventre, pour qu’ils le sentent gonfler à l’inspiration et dégonfler à l’expiration. La poitrine et les épaules, quant à elles, ne doivent pas bouger. Les enfants se lassent vite de ce type d’exercice : il est utile de les pratiquer à chaque fois, mais l’apprentissage se fera plutôt de façon progressive. Les bases à connaître pour chanterUne fois qu’il sait se positionner et respirer correctement, l’enfant peut apprendre à entraîner sa voix, en montant dans les aigus et en descendant dans les sons graves, sans jamais forcer. De cette façon, il se familiarise avec les vibrations provoquées par les cordes vocales au moment de chanter.Pour nouer progressivement avec la justesse, il faut aussi encourager chaque jeune à reproduire les notes à l’identique. Pour cela, l’enseignant peut utiliser les notes du piano, ou chanter lui-même les notes qu’il faudra ensuite imiter.Les exercices sur les gammes et intervalles sont très importants, mais il faut aussi laisser place au chant pendant la leçon, pour que le jeune prenne davantage de plaisir. Autant que possible, on base donc l’entraînement et les différents exercices sur de véritables chansons, ce qui rendra l’approche plus ludique et plus accessible. Par la suite, quand l’élève progresse, on l’incite éventuellement à chanter en public, pour qu’il apprenne également à se valoriser.
0 Les bienfaits de la musique # 3 : Les voies du chant ...
Le chant est à la musique ce que la peinture est au dessin. Nous marquons souvent une distinction entre les cours de chant et les cours de musique. C’est un constat intéressant qui démontre que le chant possède un statut particulier dans le domaine de la musique en général et de l’enseignement musical en particulier. Les richesses et les pouvoirs du chant sont infinis et ouverts à tous.Son apprentissage est une invitation à découvrir comment résonne le plus bel instrument du monde : le corps humain. En chant, le corps humain peut être comparé à un instrument de musique, le plus parlant est l’exemple du sitar indien composé du coffre, notre ventre, et du manche, notre colonne vertébrale qui monte jusqu’au somment de notre crâne. Le son, émis grâce au souffle, naît dans notre ventre et circule ensuite dans notre corps. Apprendre à chanter c’est donc apprendre à maîtriser cette énergie. Et c’est pourquoi le champ de ses possibles (ou le chant de ces possibles) est immense. Nous pouvons l’aborder de manière technique et concrète, comme nous aborderions l’apprentissage d’un instrument comme le piano, et s’arrêter à ça, et pourquoi pas. Nous pouvons l’aborder aussi, en complément de cette approche technique, d’une manière plus énergétique et intime, afin de trouver un équilibre entre l’expression externe et le ressenti interne de notre voix chantée. Le chant est donc un domaine dans lequel tout individu trouve un intérêt, une motivation, et au final découvre sa voie en re-découvrant sa voix.Aujourd’hui, le chant est de plus en plus sollicité dans le domaine du bien-être et du zen et le milieu médical l’intègre de plus en plus dans ses traitements thérapeutiques, à l’image de la musicothérapie. Le chant permet de vous recentrer sur votre corps et de clarifier votre esprit, de retrouver une respiration sereine et fluide et de retrouver joie de vivre et enthousiasme au quotidien.
0 Définir et travailler ses points faibles en chant ...
Que vous ayez eu affaire à des critiques ou que vous souhaitiez évoluer dans vos compétences vocales, faire le point sur vos difficultés de chanteur s'avère productif et vous fournit des pistes pour orienter vos séances de chant.La première étape : comment s'auto-évaluer en chant ? Tout chanteur, débutant ou confirmé, souhaite obtenir des retours sur sa performance vocale, dans le but de progresser. Or, comment établir des axes d'évolution sans savoir quels sont vos points faibles ? Il existe heureusement plusieurs façons de s'auto-évaluer pour faire le point.Bien chanter, qu'est-ce-que c'est ?Cette question pas si évidente ne soulève pas les mêmes débats chez tous les amateurs de chant. Globalement, voici les pistes qui reviennent le plus fréquemment qui expriment la capacité à bien chanter :Savoir chanter justeExprimer ses émotions dans le chantToucher les auditeursAvoir une bonne technique vocaleAtteindre des notes aiguës facilementChanter sans abîmer ses cordes vocalesAvoir une posture et une respiration adaptéesDévelopper un timbre uniqueAvoir le sens du rythmePouvoir déchiffrer un morceau sur une partitionComme vous le constatez, les pistes d'amélioration du chant sont nombreuses et hétérogènes. À cette étape, avez-vous déjà une idée de ce qui vous pose le plus problème ? S'écouter chanter pour repérer ses défautsEn tant qu'amateur, vous avez certainement développé l'un ou l'autre défaut du débutant qu'il est important de cibler et de corriger pour ne pas l'entretenir. Pour obtenir un rendu réaliste de la voix que vous projetez, l'idéal est de vous enregistrer avec un appareil de bonne qualité sonore. À défaut, utilisez votre smartphone ou une caméra. Interprétez quelques titres, non sans avoir au préalable bien échauffé votre voix. Essayez de réaliser plusieurs passages qui couvrent votre tessiture, des mélodies lentes et plus rythmées, voire différents styles si vous n'avez pas de préférence. À l'écoute, prêtez attention à tous les détails, notamment à :Votre posture et votre gestuelleL'articulation et la détente facialeL'ouverture de votre boucheLe placement du larynxLes moments où votre voix déraille, semble moins à l'aiseLa justesse des notes et du rythmeLes émotions traduites N'oubliez pas de questionner votre propre ressenti sur le confort pendant le chant : vous sentiez-vous à l'aise, tiraillé, forcé, souple ? Avec un cours de chant, obtenir un avis objectif sur ses compétences vocales s'avère bien plus facile. Un professeur expérimenté avec une bonne oreille repère d'emblée les points à travailler pour une meilleure harmonie vocale.Définir des objectifs de progression en chant Une fois les points faibles repérés, il s'agit d’établir une routine pendant les répétitions qui vise à réduire ou supprimer l'impact négatif de ces défauts. Certains sont plus faciles à gérer que d'autres, mais seule la régularité permettra d'obtenir un changement radical.Les problèmes de justesseÀ part les heureux détenteurs de l'oreille absolue, nul n'est exempt du risque de chanter faux. Il y a deux cas de figure : soit vous distinguez mal la différence entre les sons, soit votre technique vous fait défaut pour atteindre les bonnes notes. Dans le premier cas, un travail spécialisé de solfège permet l'apprentissage des différentes sonorités. Il s'effectue par exemple en chantant des gammes avec le nom des notes, en essayant de retrouver des chansons à l'oreille, bref en mobilisant l'aire du cerveau dédiée à la musique. Dans le second cas, le travail de la justesse va se faire à travers des exercices techniques de placement de voix et la recherche de la bonne posture. Les difficultés à suivre le tempo, à trouver le bon rythmeLà encore, le problème du rythme est un point faible récurrent en chant. Il est essentiel, avant de chanter un morceau à sa vitesse finale, de l'apprivoiser par le découpage de la partition ou de la mélodie, afin de bien intégrer chaque partie et sa rythmique. En cas de doute, écoutez un enregistrement vocal du morceau que vous travaillez et exercez-vous en chantant par-dessus la voix. Le métronome, outil ami du musicien, s'utilise également en chant pour garantir le respect du tempo.Le mauvais placement de la voixUne voix mal placée occasionne inconfort, douleurs, difficultés à produire les notes, instabilité de la mélodie, etc. C'est un aspect indispensable de la technique vocale que de savoir placer sa voix correctement. Il arrive aussi que les morceaux choisis ne soient pas adaptés à votre tessiture, créant un blocage laryngé sur les notes trop aiguës ou trop basses. Veillez à privilégier des chants qui vous correspondent, quitte à modifier la tonalité d'origine si vous êtes à l'aise avec la transposition. Mettez en avant vos points forts de chanteur ! Pour faire oublier son manque de puissance vocale, Vanessa Paradis met l'accent sur son timbre incomparable et son allure d'enfant éternelle. Alicia Keys ne possède pas les aigus de Maria Carey ? Qu'importe, la chaleur de sa voix et son groove naturel lui donnent autant de cachet. Un chanteur, c'est un tout : une voix, certes, mais aussi une attitude, un répertoire, une intention. Construisez le chanteur ou la chanteuse que vous voulez être en fonction de vos propres objectifs, avec l'idée de toujours prendre plaisir à chanter. C'est ainsi que votre progression sera la plus efficace
0 Comment jouer de la batterie en appartement ? ...
Nombreux sont ceux qui rêvent d’apprendre à jouer de la batterie et de jouer dans un groupe de rock, de métal ou de Jazz, mais qui renoncent avant même d’avoir commencé. La batterie est l’instrument de musique le plus sonore qui existe lorsqu’il n’est pas amplifié, et répéter régulièrement lorsque l’on vit en appartement, sans être à l’origine de nuisances sonores pour le voisinage, semble impossible. Et pourtant, apprendre à jouer de la batterie est possible même lorsque l’on vit en appartement, grâce à plusieurs astuces efficaces. Découvrez vite lesquelles ! Jouer de la batterie sans batterieLorsque l’on débute la batterie, il est tout à fait possible de s'entraîner sans batterie et de progresser quand même. Dès les premiers cours, il est indispensable de se familiariser avec les rythmes de base. Pour cela vous pouvez vous entraîner en frappant les rythmes sur une table afin de maîtriser les rondes, les blanches, les noires, les croches, les doubles-croches et les silences. Avec vos baguettes de batterie, vous pouvez également frapper les rythmes sur un cahier ou bien sur un pad en caoutchouc. Pour travailler la coordination des membres, n'hésitez pas à frapper les rythme avec votre pied comme si vous aviez une pédale. Bien sûr lorsque vous aurez atteint un certain niveau, répéter sur une batterie deviendra nécessaire, mais là encore il existe de nombreuses alternatives pour pouvoir pratiquer et progresser sans pour autant déranger vos voisins. Acquérir une batterie silencieuseLa batterie silencieuse existe bel et bien ! Bonne alternative à la batterie acoustique, la batterie silencieuse vous permet de vous entraîner comme sur une « vraie » batterie, à la différence qu’elle ne produira qu’un son très faible. Dans un kit de batterie silencieuse, vous retrouverez tous les éléments d’une batterie traditionnelle : grosse caisse, caisse claire, toms, cymbales, charleston. Il s’agit d’une solution généralement peu onéreuse, mais le son et les vibrations d’une batterie silencieuse n’ont rien de comparable avec celui d’une batterie acoustique : lorsque vous frapperez les différentes peaux vous obtiendrez un son plat, sans nuance, avec peu de relief. La batterie silencieuse est donc une bonne alternative d’entrainement lors de vos débuts, cependant lorsque vous aurez atteint un certain niveau, et que vous chercherez un jeu plus subtil et plus nuancé, il sera nécessaire de s’entraîner plusieurs fois par semaine sur une batterie acoustique.Acquérir une batterie électroniqueFaire l’acquisition d’une batterie électronique est un bon compromis lorsque l’on souhaite progresser en batterie quand on vit en appartement. L’avantage principal de la batterie électronique c’est qu’elle fait très peu de bruit et contrairement à la batterie silencieuse, vous pourrez vous entendre jouer grâce au casque. Autres avantages de cet instrument électronique, les toms ne se désaccordent pas et il est possible de jouer en musique en branchant son smartphone ou un lecteur MP3. De nombreux modèles de batterie électronique existent dans différentes gammes de prix et s’adaptent à plusieurs genres musicaux, rock, jazz, blues et même électro. Les nuances ne seront pas aussi marquées que sur une batterie acoustique, cependant, une batterie électronique vous permettra de progresser tout en prenant du plaisir à jouer. Utiliser une cabine acoustiqueL’utilisation d’une cabine acoustique est une solution efficace et durable. Il s’agit d’une cabine insonorisée d’au minimum 2m², qui vous permet de jouer sur une batterie acoustique aussi fort que vous le souhaitez, sans déranger votre voisinage. Il est préférable d’avoir un appartement suffisamment grand pour pouvoir accueillir la cabine musicale qui demeure tout de même assez encombrante, et de disposer du budget nécessaire, car les cabines sont souvent assez onéreuses. En revanche si vous souhaitez devenir batteur professionnel, la cabine acoustique reste un bon investissement et vous évitera de nombreuses contraintes.Atténuer le son de sa batterie acoustiquePour ceux qui souhaitent à tout prix jouer sur une batterie acoustique en appartement, il existe quelques astuces pour réduire l’intensité sonore. Quoi qu’il en soit, pour épargner le bruit aux voisins il vous faudra faire l’effort de jouer un peu moins fort que si vous jouiez dans un local isolé.Pour étouffer le bruit des toms, de la caisse claire et des cymbales, vous pouvez utiliser des pads en caoutchouc. Pour la grosse caisse, il est possible d’étouffer le bruit en plaçant de gros oreillers à l’intérieur et en recouvrant les peaux d’une couverture. Il existe également des peaux silencieuses qui peuvent se substituer aux peaux classiques. Sur internet et en magasin, vous trouverez également des sourdines pour les cymbales et les peaux, permettant de réduire les vibrations et l’intensité du son. Enfin, il existe des embouts en caoutchouc à fixer sur l’olive des baguettes de batterie.Vivre en appartement ne doit pas vous empêcher de vivre pleinement vos rêves et votre passion pour la musique. Vous trouverez forcément la solution qui vous correspondra le mieux et qui vous permettra d’aller le plus loin possible !
0 Doit-on louer son instrument de musique pour apprendre le piano ou le violon ? ...
Afin de commencer l’apprentissage de la musique sans prendre trop de risques financiers, le choix de la location d’instrument reste une option tout à fait pertinente. Comment procéder, à qui s’adresser et quelles sont les informations à connaître avant de se lancer ? On pour vous l’essentiel !Les avantages de la location d’instrument de musiqueUn violon ou un piano est un magnifique cadeau que l’on peut s’offrir. Toutefois, cela implique un coût : quand on débute, on peut douter de son envie, de ses capacités à persévérer, et finalement craindre de trop dépenser d’argent dans ce nouveau loisir. Ainsi, lorsque l’on manque encore d’assurance et que l’on désire se donner le temps de décider, ou non, de pratiquer la musique, la location se présente comme un excellent compromis. Elle permet d’essayer plusieurs instruments si nécessaire (changer de violon ou de piano, ou même apprendre un nouvel instrument). Enfin, elle évite un investissement trop important pour les néophytes. Bien évidemment, si vous louez un jour un piano ou un violon, cela ne vous empêchera pas d’acheter votre propre instrument plus tard, quand vous aurez économisé suffisamment d’argent pour cela – et que vous aurez la certitude de vouloir continuer à jouer.Louer un violon : ce qu’il faut savoir !En moyenne, vous pouvez louer un violon chez un luthier pour une vingtaine d’euros par mois environ. Naturellement, le professionnel vous proposera tout le nécessaire pour bien débuter : un archet, puis une housse afin de transporter l'objet sans risquer de l’endommager. Vous pouvez également louer un violon dans un magasin de musique, ou même vous adresser à votre conservatoire. Bien souvent, les écoles et établissements d’apprentissage ont une réserve d’instruments qu’ils dédient à leurs étudiants, notamment ceux qui ont un faible quotient familial. Cela permet à tous, y compris ceux qui n’ont pas les moyens de se payer un violon, d’accéder à l’apprentissage de la musique et de s’entraîner librement.Quand on loue un violon, il convient de l’essayer avant de le choisir (> Comment chosir son violon ?), parce que tous les instruments ne s’apprivoisent pas de la même façon. Toutefois, vous avez moins de pression que si vous achetiez, car vous avez le droit de vous tromper et de demander une autre alternative plus tard. La location de pianos, une pratique très répandueS’il est compliqué pour certains d’acheter un violon, l’investissement devient plus lourd quand on projette d’apprendre le piano. Ici encore, il est tout à fait possible d’envisager la location dans un magasin spécialisé ou une école.Toutefois, si tous les établissements proposent généralement des petits instruments à la location, il devient plus difficile d’obtenir un piano, car les stocks ne sont pas si importants. La priorité est logiquement donnée aux familles les plus modestes dans les conservatoires, afin d'offrir à tous un maximum de chances de pouvoir jouer de la musique. Dans les magasins aussi, on peut être confronté à des stocks limités en ce qui concerne les pianos. À titre d’exemple, il est rare de trouver des pianos mécaniques : l’instrumentiste doit se rabattre sur une alternative numérique.Rassurez-vous, la location d’un piano numérique reste un excellent compromis, car les sons d’un piano mécanique ne sont pas toujours idéaux, notamment quand ils ont été beaucoup sollicités. Les conditions de location d’un instrument de musiqueLe plus souvent, l’instrument de musique se loue au mois, pour quelques dizaines d’euros. Afin de le réserver, il est généralement nécessaire de verser une caution, qui sera rendue uniquement si l’instrument est restitué en bon état après la période de location. En parallèle, il est préférable de souscrire une assurance musique pour se prémunir de tout accident avec l’instrument. Plusieurs compagnies proposent des contrats spécifiquement dédiés à la pratique, renseignez-vous et demandez conseil à votre loueur !
0 Les cours d'improvisation ...
L'improvisation: comment débuter ?Pour la plupart des débutants en la matière, l'improvisation contient en son sein une part de génie et de mystère. Si elle apparaît comme difficile voire inabordable pour les néophytes, souvent elle relève pourtant d'un principe simplissime: substituer une mélodie par une autre en utilisant ses propres notes, ce qui suggère bien sûr chez son apprenti des facultés d'imagination. Toute personne désireuse d'aborder l'univers de l'improvisation devra au préalable comprendre le pourquoi de son existence. Les origines de l'improvisation.Si pour beaucoup elle semble indissociable du jazz, c'est que celui-ci en a fait sa pierre de touche. Néanmoins elle préexiste à ce style en tant que principe sempiternel de la musique. En effet, l'écriture de la musique invoque invariablement chez le compositeur des aptitudes à improviser.L'improvisation n'est-elle pas une façon de créer en temps réelle ?Dans l'histoire de la musique, elle apparaît par exemple en tant que pratique a part entière dans le chant grégorien, où à une première voix écrite, un chanteur superpose une seconde voix de façon improvisée. On la retrouve également dans les fantaisies des clavecinistes du XVII es ou encore chez les organistes du XIX es. Le jazz lui-même dans un premier temps ne s'est pas construit sur l'improvisation, ce que nous révèle la musique de la Nouvelle Orléans, avec des morceaux majoritairement préparés. Ce sont principalement les années trente qui verront son émergence avec de grands solistes tel Louis Armstrong.Si aujourd'hui jazz rime avec improvisation, c'est que celle-ci s'est constituée comme mode de création principal de cette musique. En quoi consiste l'improvisation ?Pour beaucoup de néophytes en la matière, l'improvisation consiste en une forme de création ex-nihilo, où l'improvisateur serait traversé par une musique n'ayant d'autre origine que son imagination. Ce qui d'ailleurs explique l'halo mystérieux qui entoure cette pratique pour une majorité de débutants. Si cette forme de création existe et représenterait une sorte d'aboutissement, l'improvisation dans sa pratique majoritaire ne procède pas ainsi. La naissance de l'improvisation dans le jazz en constitue un bon exemple. En effet dans ses premiers temps, elle consista à paraphraser simplement une mélodie préexistante, c'est-à-dire modifier quelques notes d'un air de musique mémorisé au préalable. C'est seulement par la suite qu'elle se développa en tant que procédé d'élaboration d'une nouvelle mélodie, en gardant comme point commun avec l'air mémorisé, les accords qui l'accompagnent. Dans ces deux cas, l'improvisation ne part pas de rien, mais est soit conçue comme une variation de quelque chose qui a été appris (un air de musique) ou comme le remplacement d'une mélodie par une autre qui conserve la même origine: les accords qui l'accompagnent.Comment est-il donc possible d'aborder l'improvisation?Partant de ce principe, aborder l'improvisation du point de vue pédagogique ne relève pas de quelque chose de difficile ou d'insurmontable dans les premiers temps de l'apprentissage, puisque varier légèrement une mélodie que l'on a au préalable appris, constitue déjà une façon d'improviser. L'écoute de musiciens improvisateurs que l'on apprécie est également un point de départ intéressant, en apprenant par exemple des phrases musicales utilisées par nos musiciens favoris. C'est ensuite en les modifiant elle-même, que se crée le style de chacun, la « touche personnelle ». Improvisation: le solfège est-il nécessaire ?Comme pour toute pratique musicale, la question la plus récurrente reste celle du solfège. Peut-on apprendre l'improvisation sans aborder une once de solfège ? Cette pratique nécessite-t-elle l'apprentissage de notions théoriques ? La réponse à cette question est à double-face, car comme nous venons de le voir, le simple fait de modifier un air de musique ou de se forger une mémoire de phrases musicales en écoutant des musiciens, constituent des approches ne nécessitant pas de base solfégique et théorique, l'exemple de bon nombre de jazzmen n'étant pas passé par l'apprentissage du solfège le vérifie. Cependant les musiciens talentueux de ce domaine étant restés autodidactes, ont tous en commun une imagination hors pair, un sens aigu de la mélodie de par une oreille musicale sans faille.C'est pourquoi aborder l'improvisation à un certain niveau nécessite l'apprentissage de quelques notions afin de faciliter son approche. Pour ceux qui se sentiraient réfractaires ne serait-ce qu'au fait d'entendre parler de solfège, il faut préciser que comme dans tout apprentissage, la meilleure façon consiste à aborder au fur-et-à-mesure ces notions. Plus que tout autre matière, l'improvisation nécessite de partir de l'oreille et de l'instrumental pour expliquer ensuite les notions théoriques, plutôt que l'inverse, puisque le propre de l'improvisation est qu'elle ne provient pas d'une théorie, d'une approche intellectuelle mais bien d'un ressentiment personnel, d'un émoi suscité par la musique.C'est pourquoi l'apprentissage de l'improvisation est nécessairement envisagé selon le rythme de chacun, et part de la personne et non d'un mode d'emploi pré-formaté. C'est dans cette progression pas-à-pas que chaque musicien apprenti peut tirer le maximum de plaisir, en apprenant à créer sa propre personnalité musicale. Dans cette aventure ouverte à qui souhaite se révéler musicalement, notre équipe pédagogique se tient à votre disposition pour tous conseils et pour vous proposer une solution adaptée afin d'assurer votre plein épanouissement personnel, but musical revendiqué de l'improvisation !
0 13 chanteurs français qui ont marqué leur époque ...
Le chant, dans sa forme traditionnelle la plus ancienne, a toujours rassemblé les peuples dans leurs croyances ou dans leur plaisir de partager la musique. Pas étonnant, dès lors, que certaines figures emblématiques du chant aient transcendé leur époque en devenant des célébrités, parfois même des divinités aux yeux de leurs admirateurs. Même des décennies voire des siècles après leur mort, leur nom reste porteur de souvenirs uniques liés à la culture qui les a vus naître. De la fin du Moyen-Âge jusqu'à l'époque contemporaine, découvrez le portrait de 13 chanteurs français qui ont laissé une empreinte indélébile sur leur passage.Les chanteurs les plus connus du 16ème siècleFaute de technologies adaptées, il n'existe évidemment pas d'enregistrements qui puissent nous démontrer les talents vocaux des chanteurs du 16ème siècle. Cependant, les écrits à leur sujet permettent d'avoir une idée assez précise de l'influence qu'ils ont pu exercer au sein de la Société, et plus particulièrement auprès du roi. À la fin du Moyen-Âge, le chant se range en deux catégories : le chant religieux, en grande partie grégorien, et le chant profane qui se retrouve dans les fêtes de village.Girard de Beaulieu (mort en 1590)Ce chanteur à la voix grave de basse semble avoir joui d'une certaine popularité auprès du roi Charles IX, puis de son successeur Henri III. Après des débuts à la maison du monarque comme valet et chantre, il obtient une charge de musicien en tant que joueur de lyre. La valeur de ses gages renseigne sur ses qualités, supposées ou avérées. En plus de nombreuses gratifications royales, Girard de Beaulieu et sa femme, également musicienne, disposaient d'une généreuse pension. Quelques uns des airs composés par Beaulieu ont été retrouvés et réinterprétés par l'ensemble Elyma.Plusieurs décennies après sa mort, le philosophe Mersenne écrit à son sujet : "Girard de Beaulieu basse de la Chambre du roi, a mieux chanté que nul autre", une preuve supplémentaire s'il en fallait que ce basse fut un virtuose du chant à son époque. Joachim Thibault de Courville (mort en 1581)Contemporain de Beaulieu, Courville a également inspiré les éloges de Mersenne, qui relate : "Courville tant le père que le fils ont quasi laissé le désespoir à la postérité de pouvoir les égaler", un programme des plus ambitieux s'il en est !Chanteur et joueur de lyre, Courville est surtout connu pour avoir co-fondé l'Académie de musique et de poésie, la première en France, dont les desseins visaient à regrouper des érudits musiciens et poètes afin d'évaluer, codifier et prôner l'exercice de leur art.Les chanteurs les plus connus du 17ème siècleAvec la montée du genre opéra, le 17ème siècle connait l'un des phénomènes les plus intrigants de l'histoire du chant, l'apparition des castrats. Ou, pour être plus exact, leur acceptation officielle et recherchée dans la musique classique chantée. La musique profane n'en perd toutefois pas son intérêt, et se diffuse à travers les couplets parfois très piquants des "airs à boire".François de Chancy (mort en 1656)Maître musicien auprès des enfants du roi, François de Chancy laisse à la postérité un ensemble de partitions comprenant notamment des chansons à danser et des airs, ainsi qu'un recueil de tablatures pour luth. Il participa également à différents ballets au sein de la cour royale. On trouve à son propos une évocation de la part du père Mersenne sous la forme suivante : "Il n'y ait peut-être nul meilleur moyen d'apprendre ces Arts [en parlant du chant], que d'imiter les Sieurs Guédron, Boësset, Chancy". Ce chanteur et luthiste dont on ignore la tessiture semble avoir eu un réel talent vocal pour marquer ainsi les écrits du philosophe.Blaise Berthod (mort en 1677)Ce castrat d'origine française a inspiré des vers à l'un de ses amis, Jean Loret, qui loue son chant "doux et clair", dont l'écoute donnerait l'impression que "c’est une vierge qui chante". Aussi connu sous le nom de Berthod le châtré, le chanteur aurait exercé son art devant les monarques pendant plus de 40 ans.Pour la petite histoire, Blaise Berthod reçut en 1655 une balle perdue dans la gorge, qui heureusement ne lui ôta pas sa superbe voix. Vous rêveriez de chanter avec autant d'aisance que cet artiste hors pair ? Avez-vous déjà songé à prendre des cours de chant ? Sans atteindre une telle perfection, c'est un très bon moyen d’apprivoiser sa voix et d'en tirer le meilleur parti. Les chanteurs les plus connus du 18ème siècleLe règne du roi soleil touche à sa fin, mais il aura permis à la musique de se développer considérablement. À l'aube du 18ème siècle, les grands compositeurs comme Lully et Charpentier excellent dans la tragédie lyrique, un genre qui sert particulièrement l'expression des voix. Les comédies-ballets, également très à la mode, mettent l'accent sur la capacité d'acteur du chanteur, qui se doit d’interpréter le rôle de son personnage avec conviction. Pierre Gaveaux (1761 - 1825)Très intéressé par la musique dès son plus jeune âge, Pierre Gaveaux disposait d'une voix qui pouvait couvrir la tessiture d'un haute-contre ou d'un ténor. Après une formation ecclésiastique, il intègre le milieu du théâtre et connait le succès comme comédien-chanteur dans le registre des parodies d'opéra.Gaveaux est l'auteur d'un opéra resté connu, Léonore ou l'Amour conjugal, mais il en signa en réalité plus d'une quarantaine.Joseph Caillot (1733 - 1816)Acteur et chanteur de talent, Jospeh Caillot eut une carrière longue et prolifique. Même après sa retraite, il continua à remplacer occasionnellement ses amis pour des représentations. Il faut dire que sa large tessiture lui conférait une capacité à remplir la plupart des rôles masculins. Les musicologues eux-mêmes ne savaient pas très bien dans quelle case le situer, tant il passait des registres de basse au haute-contre sans effort. Les chanteurs les plus connus du 19ème siècle Avec Napoléon Ier, la France devient un pays conquérant, et l'on retrouve dans les chansons de l'époque la trace des guerres conduites par l'Empereur. De l'hymne militaire au chant révolutionnaire, l'heure est au patriotisme dans tout l'hexagone. En 1877 apparaît également un procédé qui pose les bases de l'enregistrement audio, le phonographe.Léonce (1823 - 1900)De son vrai nom Édouard-Théodore Nicole, Léonce excella dans le registre du théâtre comique. Chanteur et acteur, il disposait notamment d'un humour acéré qui fit la joie du public parisien pendant presque 30 ans.Jean-François Berthelier (1828 - 1888)Les choses avaient mal commencé pour Jean-François Berthelier : après avoir essuyé un refus du Conservatoire de Paris, il décida de s'essayer au café-concert. Bien lui en prit puisqu'il y connut un vrai succès en interprétant de sa voix de ténor des chansonnettes qui plaisaient au public.Sa rencontre avec Offenbach, le célèbre compositeur d'opérettes, lui valut des rôles principaux dans de nombreuses pièces qui assirent sa réputation. Berthelier entretint une liaison amoureuse avec une autre figure phare du siècle, la cantatrice Hortense Schneider, qui l'accompagna également sur scène.Des chants composés par Berthelier ont été retrouvés, signés sous le pseudonyme Berthel.Les chanteurs les plus connus du 20ème siècleGrâce à l'émergence des technologies qui permettent d'enregistrer les sons et donc la musique, les chanteurs du 20ème siècle peuvent diffuser leur musique au-delà des frontières. C'est aussi ce qui leur permettra d'être encore écoutés à l'époque moderne, même si la qualité des enregistrements ne laisse pas toujours la possibilité d'apprécier pleinement le grain de voix des chanteurs. Ces derniers, qu'ils soient issus du registre classique ou populaire, se montrent plus engagés que les générations précédentes : la musique devient politique, elle devient aussi plus accessible. Claude François (1939 - 1978)Malgré une vie écourtée, Claude François a eu le temps de briller pendant ses 26 années de carrière. Cet artiste aux multiples facettes n'a pas seulement marqué la chanson, il a marqué l'histoire culturelle française. Ses mœurs libérées, sa passion et son style ont influencé des artistes de tous les milieux : musique, bien sûr, mais aussi mode, photographie, design, etc.Parmi ses titres les plus connus, certains sont encore régulièrement repris dans les soirées ou les fêtes, comme :Alexandrie, AlexandraCette année-làBelles, Belles, BellesLe lundi au soleil Serge Gainsbourg (1928 - 1991)Autre pilier de la chanson française, Gainsbourg cumulait les casquettes : compositeur, interprète, mais également scénariste, poète, metteur en scène ou acteur, nul doute qu'il disposait d'une prédilection particulière pour les arts. Il serait sans doute faux de dire que Serge Gainsbourg disposait d'une voix exceptionnelle, en revanche, son timbre servait parfaitement ses chansons, travaillées autant sur le fond que sur la forme. Nul doute qu'il connaissait ses points faibles en chant et savait les exploiter.Son engagement politique et ses manœuvres de provocation ont valu sa notoriété à cet artiste, qui signe de véritables joyaux de la chanson française :La JavanaiseJe suis venu te dire que je m'en vaisJe t'aime... moi non plusLa chanson de PrévertGainsbourg a influencé un grand nombre de chanteurs du 20ème siècle, notamment Renaud et Étienne Daho.Johnny Hallyday (1943 - 2017) Presque 60 ans de carrière dans la musique, voici ce que représente le pilier monumental du rock français. Johnny Hallyday s'est certes promené dans différents univers comme la country ou la pop, mais son premier amour est resté le rock'n'roll et c'est dans ce domaine qu'il a nourri le plus d'artistes.Côté tessiture, l'artiste dispose d'une voix étendue qui passe du ténor au baryton avec une qualité et une précision dignes d'un chanteur lyrique. Il parvient ainsi au fil des ses albums à couvrir l'équivalent de 5 octaves.Les chanteurs les plus connus du 21ème siècleSi le 21ème siècle ne fait que commencer, il a déjà pu accueillir de nombreux chanteurs exceptionnels, tant par leur prestance que par leur qualités vocales. Les années 2000 sont également marquées par l’émergence de la musique assistée par ordinateur et les technologies développées dans la musique électronique, qui changent définitivement la façon d'appréhender le chant.Orelsan (né en 1982)Aurélien Cotentin serait-il le Gainsbourg du deuxième millénaire ? Celui qui se fait appeler Orelsan n'est pas loin d'égaler son prédécesseur en matière de provocation. Ses chansons à textes évoquent tour à tour les problèmes de la société, les maladies mentales ou encore la difficulté de l'amour à l'ère du numérique.La magie d'Orelsan, c'est d'avoir conquis un public très large tout en restant fidèle à son registre, le rap. Comme tout artiste accompli, le chanteur s'essaie à d'autres domaines culturels et a notamment sorti une ligne de vêtements.Stromae (né en 1985)Petite digression ici puisque Paul Van Haver, de son vrai nom, n'est pas français mais belge. Il est pourtant à l'image même du courant artistique qui porte la variété française actuelle. Issu d'un père rwandais décédé dans le génocide d'avril 1994, Stromae évoque dans ses chansons la douleur de grandir sans père (Papaoutai). Même s'il se revendique de différentes influences, l'artiste est considéré comme le porte-parole du New Beat, un style orienté vers l'électronique.Stromae commercialise également une ligne de vêtements, créés avec la participation de son épouse styliste.Des chanteurs qui ont su imposer leur genreQuel pourrait être le point commun de tous ces chanteurs qui ont marqué leur époque ? Chacun, à sa manière, a su faire valoir ses opinions et les partager à travers le chant. Qu'ils aient été chanteurs d'opéra ou de variété, ces artistes resteront dans les annales de l'histoire de la chanson française en tant qu'influenceurs majeurs de la musique de leur siècle.
0 Si vous voulez accélérer le développement cérébral de vos enfants, enseignez-leur la musique ! ...
La musique est un langage universel de l’humeur, de l’émotion et des désirs, elle nous connecte et nous permet de communiquer grâce à une large variété de systèmes neuronaux. Voici quelques-uns de ses nombreux bienfaits, notamment l'éveil musical chez les jeunes enfants ! La musique est bonne pour la santéPlus de 400 articles issus de travaux de recherches scientifiques ont prouvé le vieil adage qui affirme que la musique soigne tous les maux. En effet, d’après certaines études, nous savons maintenant qu’écouter de la musique est un traitement efficace pour lutter contre les maladies mentales. Il a par exemple été démontré que la thérapie musicale améliorait sensiblement les relations sociales chez les schizophrènes. De plus, la recherche a mis en évidence qu’un traitement musical était efficace pour réduire la dépression, l’anxiété ou encore les douleurs chroniques. L'apprentissage de la musique : un accélérateur de développement cérébralPlus important encore, l’éducation musicale apparaît également comme un excellent accélérateur du développement cérébral chez les jeunes enfants. D’après les résultats initiaux d’une étude menée depuis 5 ans par les scientifiques de USC, elle serait particulièrement efficace pour développer les zones du cerveau qui analysent les sons, le langage ou encore la lecture. L’Institut du cerveau et de la créativité d’USC a en effet commencé en 2012 une étude pour examiner l’impact de l’éducation musicale sur les aspects sociaux, émotionnels et cognitifs du développement de l’enfant.Apprendre à jouer de la musique aux enfantsDurant cette étude, les enfants ont appris à jouer d’instruments de musique tels que le violon, dans des ensembles et dans des groupes, en s’entraînant jusqu’à 7h par semaine. En 2 ans, les scientifiques ont remarqué que le système auditif des enfants participant à ce programme musical se développait plus vite que celui des autres enfants. Cette maturité reflète une augmentation de la plasticité neurale, un changement physiologique dans le cerveau en réponse à son environnement. Dans ce cas : une exposition poussée à la musique et à son apprentissage. Cela pourrait être à l’origine d’un meilleur développement du langage et de la lecture. De l’oreille au cerveauLe système auditif connecte notre oreille à notre cerveau pour analyser les sons. Quand nous entendons quelque chose, nos oreilles le reçoivent sous forme de vibrations qu’elles transforment en signal neural. Ce signal est ensuite transmis au tronc cérébral jusqu’au thalamus au centre du cerveau, et envoyé à sa destination finale, le cortex auditif primaire, situé près des côtés du cerveau. Les progrès du développement du canal auditif chez l’enfant peuvent être mesurés par un électroencéphalogramme, qui enregistre les signaux électriques, et plus particulièrement ceux qu’on appelle « potentiels évoqués auditifs ». Dans cette étude, les scientifiques se sont focalisés sur le potentiel évoqué appelé P1. Ils ont mesuré l’amplitude (le nombre de neurones qui envoient le signal) et aussi la latence (la vitesse à laquelle le signal est transmis). Ces deux mesures permettent de connaître la maturité des canaux auditifs du cerveau. À mesure que les enfants se développent, l’amplitude et la latence de P1 ont tendance à diminuer. Ce qui veut dire qu’ils deviennent plus efficaces à analyser les sons.Un point sur la biologie musicaleLa musique est une part esthétique et artistique de la vie, mais également une partie biologique. Des scientifiques ont montré que le cerveau ne s’active pas de la même manière pour une note juste que pour une note fausse.Le cerveau est un muscle qui grandit en réponse à l’entraînement musical qu’il reçoit. L’harmonie, la mélodie et le rythme font fonctionner différents chemins et différentes zones du cerveau. C’est pourquoi les musiciens ont généralement un cerveau plus développé que les autres. Le mot de la finPour renforcer ses capacités cérébrales de manière divertissante, rien de tel que la pratique d’un instrument. Cela sera d’autant plus efficace si l’on commence cet entraînement dès le plus jeune âge, alors n’hésitez pas à faire faire de l’éveil musical à vos enfants !
